Objetivos de investigación/creación de Helge Meyer. Helge Meyer
Objetivos de investigación/creación de Helge Meyer
En los últimos tres años, he estado desarrollando una investigación para mi disertación doctoral. Mi foco está en la imagen del dolor en el arte de performance. La meta de mi trabajo es explorar las maneras que un artista puede comunicar un dolor físico o psicologico a través de un trabajo vivo de performance. Otro interés mío se realiza en la cooperación con otros. Formé parte en 1998, de un dúo de arte de performance llamado HM2T. Algunas de nuestras performances exploran preguntas tales como; ¿Qué es un cuerpo humano en el tiempo y el espacio? ¿Cómo es posible encontrar imágenes simples para los actos humanos fundamentales (como caminar, dialogar, beber, etc.)? En nuestras performances, intentamos siempre desarrollar una relación con la comunidad (o la cultura) donde nos estamos presentando. Esto conduce a veces a comentarios políticos, sociales, o culturales, pero nuestro objetivo es simplemente conseguir que la gente piense (es decir no intentamos cambiar las mentes de la gente). HM2T intenta traducir los fenómenos -- políticos, sociales, humanos -- a imágenes reconocibles en el tiempo y espacio. HM2T se ha presentado en lugares como Rusia, Canadá, China, Japón, la República Dominicana, etc. Con HM2T, intento siempre presentarme en una manera que tenga importancia para nuestras audiencias. Mi trabajo con Black Market International, siempre tiene un enfoque diferente. El grupo, formado por Boris Nieslony en 1985, intenta utilizar el principio de reunirse en sus performances. Un número de artistas - cinco a doce, a veces más – se reune en un espacio definido y trabaja junto por un período de tiempo específico. Las performances de Black Market son diferentes de las presentaciones tradicionales del teatro, donde un director puede utilizar diversas técnicas para crear una escena dramática. En contraste, las performances de Black Market ofrecen una "intersección" - la reunión de diversos artistas de diversos trasfondos culturales y con el objetivo de trabajar en conjunto de manera que no hay caracteres principales o líderes dramáticos. Las performances de Black Market tienden a desarrollar una sinergia sensible y duran a menudo entre tres y veinticuatro horas. Uno de sus temas principales es la experiencia del artista a solas y el cómo puede relacionarse y respetar a otros artistas. En mi trabajo a solas, invito a menudo a la audiencia a que participen en una especie de diálogo. La obra “Hand to Hand”, que desarrollé, puede servir como buen ejemplo sobre mi performance individual. En la primera parte de la obra, uso las ropas que he traído de mi hogar. Entonces invito a miembros de la audiencia que intercambien los artículos de su ropa conmigo, cada prenda. Le digo al público el significado especial que cada artículo de la ropa que doy tiene para mí y pido que hagan lo mismo para cada artículo de la ropa que me ofrezcan. Después de una cierta hora, tengo una nueva apariencia y muchas historias narradas de todos mis nuevos artículos de ropa. En el nivel siguiente (en un distinto país) pido que las audiencias intercambien los artículos de ropa conmigo otra vez. A medida que el proceso continúa, recojo e intercambio más y más historias mientras que intercambio más y más artículos de ropa de diversas culturas. Considero que esto es una manera rica de intercambiar con la gente desde ella misma tendiendo un puente sobre diversas culturas, de lugares tales como Canadá, los E.E.U.U. y las Filipinas. Las historias que he recogido hasta ahora van desde asuntos políticos, a historias tristes de amor, a las bromas. Los artículos de la ropa pueden transportar ideas con ellas, y asociado a esta clase de intercambio, las historias pueden separarse alrededor del mundo como cuentos de hadas o tener el sabor de antiguas tradiciones habladas
Después de describir lo que hago, quisiera pasar a explicar cómo puedo transformar mis experiencias en algo que puede ser enseñado: En talleres -- y las sesiones de enseñanza de largo plazo -- he trabajado con diversos grupos de gente (tal como bailarines en St. Petersburg, Rusia, estudiantes de arte en la ciudad de Quebec, Canadá, y niños en la ciudad de Koshoku, Japón) en performances. Los participantes pasaron tiempo con diversas tareas experimentales del cuerpo y los procesos creativos. Sobre todo, exploramos las posibilidades de usar su propio cuerpo como medio. Hay una amplia gama de diversos aspectos que aparecen cuando la gente que nunca antes ha trabajado con su propio concepto del cuerpo se desempeña en una situación tan abierta. Esta idea entonces es seguida por las tareas mentales que deben llevar a la gente a un estado de la franqueza. Deben intentar ver sus alrededores e intentar descubrir donde están en este campo especial. Deben utilizar todos sus sentidos para contactarse con los fenómenos especiales del tiempo y del espacio circundante. Trabajé a veces con la privación o con otros aspectos de reducir las posibilidades del movimiento etc. Después de estas tareas más relacionadas al cuerpo, hay también aspectos del trabajo intelectual: pido a los participantes utilizar su propia vida en una manera de "exploración de la memoria " e intentar llegar a una clase de base que puede ser realmente un campo de investigación interesante para ellos. ¿Qué inspira a que una persona sea creativa? ¿Cómo hacer comenzar los procesos que pueden conducir a una obra de arte, en este caso a una performance?
Todo esto tiene que ver con los trasfondos políticos y culturales de donde la gente proviene y con donde ella ha sido educada. En diálogos intento siempre descubrir, qué gente ha dejado una marca en su propia sociedad. Es a veces importante romper "reglas no escritas" de este entorno y el "juego" con los tabúes o la ley social. Los participantes tienen que mirar en sí mismos desde adentro y afuera también. Mi experiencia teórica y mi diploma en estudios culturales nme permiten tener una opinión interdisciplinaria sobre muchos de aspectos en arte y vida cultural. Intento animar al estudiante-participante que utilice diversos medios, diversas disciplinas del arte y diversas maneras de la investigación intelectual de descubrir qué puede ser lo más apropiado para que él utilice como herramienta para comunicarse de una manera artística. ¡Para mí el nivel de cómo intentan alcanzar la meta es más importante que si alcanzan dicha meta! Trabajar de una manera concentrada, teniendo siempre presente una clase de presencia que se deba llevar a cabo en un alto nivel, es lo más importante para el arte de performance y el resto de los elementos vivos también. En un nivel teórico, doy muchas conferencias en diversos aspectos del arte de performance. Estoy muy interesado en la idea de la colaboración, por supuesto. Hice muchas investigaciones y conseguí mucho material sobre el trabajo a dúo y/o trabajo de grupo en arte de performance. También, la historia del arte de performance y su base en ideas con cercanía al futurismo, fluxus, dada e incluso el chamanismo y algunos grupos religiosos es de gran interés para mí y encuentra su manera en conferencias, talleres y escritos. Soy actualmente miembro del panel internacional de redacción para la revista "inter, Art Actuel" en la ciudad de Québec y escribo para algunas revistas en diversos países, así como publicaciones en línea en Alemania, relacionadas con la crítica y la historia del arte. Mi investigación sobre el dolor como imagen en arte de performance también conduce a diversas invitaciones a hablar en conferencias donde se discute la semiótica de la imágen (la última fue en abril de 2005 en Cork, Irlanda). También, publicaré un libro con un texto mío, durante este año. Soy de la opinión que los estudiantes en una universidad del arte deben aprender sobre todos los diversos aspectos del arte: esto incluye lo creativo, lo intelectual y también las necesidades técnicas de hacer el arte y vivir quizá de su propia obra. Mis estudios y mi experiencia en la red del arte de performance me enseñaron también que es importante saber sobre las fuentes de financiamiento, las maneras de comunicarse con las instituciones, y de conseguir contacto con la gente de diversos fondos culturales. La idea de hacer arte es no solamente poder subsistir del arte, sino que no hacerlo a ciegas. Por lo tanto, un punto para mi deseo de enseñar es también descubrir qué tan seguros están los estudiantes de hacer lo que desean hacer. El contacto con los estudiantes tiene que ser intensivo, polémico y en variados niveles, a veces por largos períodos de tiempo. Así pues, resumiendo mis metas (como un artista, un investigador, y profesor):
- Es importante estar enterado del tiempo (la era y la duración) que estamos viviendo como seres humanos;
- Tenemos que saber "hacer una imagen" cuando estamos trabajando con nuestro propio cuerpo en un espacio dado;
- Tenemos que investigar nuestro propio cuerpo como herramienta, como campo artístico, y como fuente de nuestro comportamiento intelectual y emocional
La comunicación, el intercambio, y la colaboración (en un nivel interdisciplinario) son importantes si realmente deseamos crear algo relevante, así como la investigación debe ser de una manera que no es autosuficiente.
Research / Creation goals, by Helge Meyer
Over the past three years, I have been conducting research for my doctoral dissertation. My focus is on the image of pain in performance art. The goal of my work is to explore the ways an artist can communicate physical or psychological pain through a live performance work.
Another interest of mine is performing in cooperation with others. I became part of a performance art duo called HM2T in 1998. Some of our live performances explore such questions as; What is a human body in time and space? How is it possible to find simple images for fundamental human acts (like walking, speaking, drinking etc.)? In our performances, we always try to develop a relationship with the community (or the culture) where we are performing. This sometimes leads to political, social, or cultural commentary, but our aim is simply to get people to think (i.e. we do not try to change people’s minds). HM2T tries to translate phenomena -- political, social, or human -- into recognizable images in time and space. HM2T has performed in places like Russia, Canada, China, Japan, the Dominican Republic, etc. Through HM2T, I always try to perform in a way that has relevance to our audience.
My work with the association Black Market International has a different approach. The group, formed by Boris Nieslony in 1985, tries to use the principle of meeting in their performances. A number of artists – five to twelve, sometimes more – meets in a defined space and works together for a specific period of time. Black Market’s shows are different from traditional theatre shows, where a director may use different techniques to create a dramatic scene. In contrast, Black Market’s shows feature the “in-between” – the meeting of different artists from different cultural backgrounds and the aim is to work together in a way that no main characters or dramatic leads. Black Market’s shows tend to develop a sensitive synergy and often last between three and twenty-four hours. One of their main themes is the experience of the solo artist and how he can relate to and respect other artists.
In my solo work, I often invite the audience to participate in a kind of dialogue. The piece I developed called “Hand-to-Hand” may serve as a good example for my approach to (solo) performance. In the first part of the piece, I wear clothes that I have brought from home. I then invite audience members to exchange articles of clothing with me, piece by piece. I tell the audience the special meaning that each article of clothing that I give away has for me and ask them to do the same for each article of clothing that they offer me. After some time, I have a whole new outfit and a lot of stories to tell about all of my newly-acquired articles of clothing. On the next level (in a different country) I ask the audience to exchange articles of clothing with me again. As the process continues, I collect and exchange more and more stories as I exchange more and more articles of clothing from different cultures. I consider this to be a rich way to exchange with people since it often bridges different cultures, from such places as Canada, the U.S.A. and the Philippines. The stories I have collected so far range from political diatribes to sad love stories to jokes. Articles of clothing are able to transport ideas with them, and by engaging in this kind of exchange, the stories can spread around the world like fairy tales or like ancient spoken word traditions.
After having described what I do, I would like to spend some time explaining how I can transform my experiences into something that can be taught: In workshops -- and long-term teaching sessions -- I have worked with different groups of people (such as dancers in St. Petersburg, Russia, art students in Quebec City, Canada, and children in Koshoku City, Japan) on performances. The participants went through different experimental body tasks and creative processes. Mostly, we explored the possibilities of using one’s own body as a medium. There is a wide range of different aspects that appear when people who never before worked with their own concept of body in such an open situation. This idea is then followed by mental tasks that should bring the people in a state of openness. They should try to see their surroundings and try to find out where they are in this special field. They should use all their senses to get in touch with the special phenomena of time and surrounding space. Sometimes I worked with deprivation or with other aspects of reducing the possibilities of movement etc. After these more body-related tasks, there are also aspects of intellectual work: participants were asked to use their own life in a way of “memory-scanning” and try to come to a kind of core what may be really an interesting field of research for them. What inspires a person to become creative? How do the processes get started that may lead to a work of art, in this case to a performance work?
This all has to do with the political and cultural backgrounds where the people come from and where they are educated. In dialogues I always try to find out, what mark people have made in their own society. Sometimes it is important to break “unwritten rules” of this surrounding and “play” with taboos or social law. The participants have to look on themselves from inside and outside as well.
My theoretical experience and my diploma in cultural studies allow me a interdisciplinary view on a lot of aspects in art and cultural life. I try to encourage the students/participants to use different media, different art disciplines and different ways of intellectual research to find out what may be most appropriate for them to use as tool to communicate in an artistic way. For me the level of how they do try to reach the goal is more important then if they reach a goal! To work in a concentrated way, always keeping in mind a kind of presence that should be held on a high level, is most important for performance art and all other live elements as well.
On a theoretical level, I give a lot of lectures on different aspects of performance art. I am very interested in the idea of collaboration, of course. So I did a lot of research and I got a lot of material about duo work and/or group work in performance art. Also, the history of performance art and its basis in ideas like futurism, fluxus, dada and even shamanism and some religious groups is from great interest for me and finds its way in lectures, workshops and writings. I am currently member of the international board of editors for “Inter Art Actuel” in Quebec City and I write for some magazines in different countries, as well as online publications in Germany, related to art critic and art history. My research on pain as an image in performance art also lead to different invitations to speak at conferences where the semiotic of images were discussed in general (the last time was in April 2005 in Cork, Ireland. Also, a book with a text from me will be published this year).
I am of the opinion that students in an art college should be taught to learn about all different aspects of art: this includes the creative, the intellectual and also the technical needs to make art and maybe live from one’s own art. My studies and my experience in the performance art network taught me also that it is important to know about sources for grants, ways of communicating with institutions, and getting into contact with people from different cultural backgrounds. The idea of making art is not only to make a living but it should not be chosen blind-eyed. Hence, one point for my desire to teach is as well to find out how sure students are in doing what they want to do. The contact to students has to be intensive, controversial and on various levels, sometimes over long periods of time.
So, to summarize my goals (as an artist, researcher, and teacher):
(1) It is important to be aware of the time (the era and the duration) we are acting in as human beings;
(2) We have to know about “becoming an image” when we are working with our own body in a given space;
(3) We have to research our own body as a tool, an artistic field, and as a source of our intellectual and emotional behavior.
Communication, exchange, and collaboration (on an interdisciplinary level) are important if we really want to create something relevant and research in a way that it is not self-sufficient.
